Para Natália Ivanov, um período de interrupção resultou em uma nova abordagem para a criação artística que está transformando sua pausa, sua ausência da arte, em algo produtivo. Quando Natália Ivanov se formou na escola de arte em São Paulo em 2015, sentindo-se cheia de possibilidades e energia criativa, sua vida e prática pictórica eram muito diferentes do que são hoje. Após um período trabalhando como assistente de dois pintores proeminentes em São Paulo, Ivanov subitamente interrompeu seu caminho artístico porque, como foi explicado, “circunstâncias da vida levaram Natália de volta a Campinas”. Ivanov fez um hiato de dez anos, um processo literal de não-fazer-arte, que agora assumiu um papel central como material em sua nova obra — pinturas em exibição na Galeria Yehudi Hollander-Pappi em São Paulo, Brasil.

O trabalho de Ivanov não é o primeiro caso em que o tempo é usado como meio no projeto pictórico. O tempo já foi utilizado como material da pintura muitas vezes antes, como marcador de uma prática pictórica que se desenvolve lentamente ou ao longo de longas durações, como no trabalho de Roman Opalka — uma expressão de serialidade pictórica contínua onde o tempo que passa havia se tornado, em muitos aspectos, o próprio tema do trabalho.

Mas o trabalho de Ivanov não é uma prática de duração, resistência ou expansão temporal estendida. Pelo contrário, sua obra é resultado de transformar tempo inativo em material constituinte de sua prática atual — um “tempo-não-gasto-pintando” transformado no próprio meio da obra. É interessante que o trabalho atual de Ivanov tenha sido comparado ao de Agnes Martin — uma certa sensibilidade minimalista, gamas de cores quase imperceptíveis, brancos suaves, camadas de tinta que se transformam em superfícies opacas e meditativas. Talvez mais convincente que esses paralelos visuais ou formais é o fato de que a carreira de Agnes Martin também foi famosamente marcada por uma pausa no trabalho, uma lacuna de dez anos passados no deserto meditando, que terminou com um novo corpo de trabalho radical no qual Martin introduziu cor.

Antes de conhecer Natália Ivanov ou ver suas pinturas, ela foi apresentada como “uma artista cuja jornada e trabalho são particularmente significativos”, mas eu não havia imaginado até que ponto eu viria a entender sua jornada como algo mais do que processo no sentido convencional da palavra. Assim que tive a oportunidade de conhecê-la e ver alguns de seus novos trabalhos, passei a compreender que seu “tempo-sem-pintar” se tornou um meio diferente (ou um material diferente) em sua vida e trabalho como pintora.

Durante esse período desafiador, Ivanov não pintou, mas com o tempo retornou com um senso renovado de si mesma. Seu renascimento foi facilitado em 2024 pela oferta de Matheus Yehudi Hollander de um espaço de ateliê para pintar e algum tempo longe de sua filha. Nas próprias palavras da artista: “Depois que parei de pintar há dez anos, agora minhas decisões pictóricas são resultado do meu novo começo.” Natália falou sobre sua prática de ateliê antes da pausa: “Antes, eu fazia muita experimentação com pintura a óleo usando uma tela quadrada, superfície plana, e a aplicação de objetos, como brincos sobre a superfície, de uma ‘maneira liberada’.” Recentemente, ela retornou a alguns dos mesmos materiais pictóricos convencionais, mas de uma maneira muito diferente, com o elemento adicional do tempo longe de sua prática. Como ela disse: “Esse período [de não-pintura] foi tão traumático que agora sinto os materiais de uma maneira diferente, e tento usá-los de uma forma que mostre meus sentimentos...”

As pinturas recentes são feitas usando uma paleta muito limitada que produz linhas ou pulsações quase invisíveis pela tela, criadas pela representação de campos de cor suave enterrados em um branco opaco e nebuloso. À primeira vista, uma pintura como No Pain, 2024, evoca um sentimento de introspecção provavelmente inspirado pelo branco efervescente, mas essa perspectiva muda quando ela explica que o “nada” branco é composto de muitas camadas de cor — preto ou azul nos primeiros exemplos e depois com o uso de amarelo e até magenta. A “nebulosidade” resultante contém por baixo muitas variações de cor e texturas plásticas. Embora as pinturas resultantes pareçam ser puramente abstratas e minimalistas, suas escolhas evoluem de momentos da vida cotidiana, como o amarelo simulando pétalas caindo sobre uma superfície em Simple Love, 2025, ou fileiras de círculos simulando olhos em No Tears, 2024. Até a aspereza que resultou das representações de cor em camadas nas pinturas brancas passou a ser mais prominentemente revelada em seu uso ousado de tecido cortado em Little Angel, 2024, e em seu uso de tela dobrada em Simple Love, 2025.

Conforme Ivanov começa a tirar suas pinturas da parede e combiná-las com elementos rasgados e dobrados, essas novas obras de arte tridimensionais suaves transmitem a sensação de que a artista está tentando dizer algo com uma certa linguagem que ainda não foi totalmente formada. Como ela diz: “Nesta fase em que estou renovando minha relação com o básico dos materiais pictóricos [...] estou me mostrando como uma pessoa que outros não esperariam [...] vendo o passado como algo que permanece como apenas alguns elementos.” O trabalho é tanto liberado quanto ao mesmo tempo limitado por uma economia de meios.

Na obra monumental intitulada Glória, 2024, uma pintura-tapeçaria-escultura de parede, que mede 205 por 390 centímetros, há uma confluência sem precedentes de confiança e vulnerabilidade. Ela é banhada em um matiz branco azulado que parece irradiar das tiras de tela rasgada tecidas firmemente no meio e frouxamente nas pontas desfiadas onde a gravidade permite que relaxem e caiam uma sobre a outra. A escala e uso de material de Glória invoca tantas emoções diferentes — admiração por um trabalho-em-progresso de tecelão no tear e ao mesmo tempo desejo de ser envolvido em um cobertor familiar. Ao permitir que o trabalho seja finalizado em seu estado de não estar vinculado a uma forma ou dimensão fixa, sendo áspero nas bordas mas suave, e tendo um gradiente de cor que depende tão intensamente de luz e imediatismo, Ivanov reentra no mundo da arte como um indivíduo criativo totalmente renovado e confiante, mas também permitindo a possibilidade de que algo ainda não descoberto possa entrar na dobra.

-Cay Sophie Rabinowitz

Conheci Natália há dez anos. Foi uma dessas amizades que acontecem sem você esperar – vi uma de suas primeiras pinturas, uma tela pequena de linho cru onde ela havia pregado os brincos da avó. Dois brincos faltavam, e isso não era acidente. Natália sempre soube lidar com o que não está lá. Nos anos que se seguiram, ela desapareceu. Não apenas o trabalho dela, mas ela mesma – como se tivesse decidido que o mundo era um lugar onde não cabia. Viveu esse tempo em silêncio, desenhando na mente as linhas da falta. Esta exposição me atinge de um jeito que prefiro não explicar, mas atinge universalmente a obsessão dela com algo que mal conseguimos nomear – o espírito, os sentimentos que carregamos como amor e solidão. Quando a pintura renuncia ao mundo visível, ela se torna um espelho da contemplação, refletindo não objetos, mas estados de ser... O quadro que abraça o vazio ensina que a plenitude não reside na multiplicação, mas na profundidade – transformando cada centímetro de tela em infinito concentrado. Muitas daquelas camadas de branco formando uma luz que é nossa e de mais ninguém, a luz do que somos quando chegamos ao fim de qualquer caminho: sozinhos, e de alguma forma, perfeitos.

-Matheus Yehudi Hollander